quedarse hasta el final

Las películas de MARVEL parecen haber inaugurado una tendencia que no es nueva. Esperamos ansiosos la o las escenas extras que aparecen antes de que las luces de la sala se vuelvan a encender, pero! está moda no es nueva, y podemos encontrar "Post-credits scene" en otras producciones...

No haremos podio, pero tomaremos algunos ejemplos de los últimos tiempos solo para (des)ordenar un poco las ideas

Para los niños la lista es mas que extensa: Frozen,  Monster University, Dispecable Me (1y2), Toy Story 3, Brave, The Smurf (1y2), Megamind, Coraline, Alvin, Monster vs Aliens, Kung fu Panda, Ratatuille, Pirate of the Caribbean (todas sus entregas), Cars, Los Simpsons, Chicken little, Sherk, Scooby Doo, Shark Tale, Finding nemo son sólo algunas desde hoy hasta el año 2000.
Pero nos queremos detener en dos particularmente, por un lado Toy Story 3 porque se trata casi de un corto en si mismo:

y otro dentro de esta "categoría", podría ser Harry Potter, pero no su epilogo tras saber que pasa con el Señor Tenebroso, sino lo que pasa con el profesor Gilderoy Lockhart (Kenneth Branagh) tras los sucesos de la Cámara Secreta

(una lastima que sea la unica pelicula de la saga que tenga este detalle...)

Ahora para el niño que llevamos a flor de piel, la lista es aun MAS larga ya que desde Buried a The Gray, pasando por A Knight´s Tale, X Files, The A Team, SuperMario, The fast and forious, Austin Powers, Zombiland, Wayne´s World, Crank, Aireplane (1 y 2), The hangover (3), Battleship, Resident Evil (varias), 1408, Hostel, etc etc etc, Slither, The producer, Constatine, etc etc etc, Dawn of the dead, Godzilla, Matrix Reloaded, Kpax, 28 days solo hasta el 2000 y dejando afuera a TODAS las que tengan por protagonistas a superheroes y sean salidas de comics, nos detenemos en Pacific Rim donde hace de cierre de uno de los personajes

y sólo por tarantinesco y asqueroso mencionar una escena que mas que agregar es un behind the scene de Kill Bill volumen 2...

Para cerrar les dejo la cereza del postre y mucho antes del año 2000 Masters of the Universe nos mostraba allá por los ochenta un temerario regreso (es la primer escena post créditos que recuerdo!)

(Terrorificooooooooooooooooooooooo!)


Bueno, este post se trata tan sólo de una excusa no sólo para hacer valer en su totalidad el precio de la entrada o intentar leer esa letra muy chiquita que enlista a todos los que trabajaron en y para la película, sino para esperar ansiosos un poco más, una gotita narrativa que haga que la historia no se termine en The end...

@vanemaz

The Hobbit: una viaje inesperado hacia la desolación, para ir y volver...

Quiero empezar con una canción...

A medida que los segundos pasan es imposible no imaginarnos los caminos y las verdes praderas junto a las casas bajas de grandes puertas redondas y ese gran árbol en la colina.
Vemos en ese amplio paisaje a gente pequeña muy pequeña, de pies peludos y orejas un tanto puntiagudas.
Sabemos donde estamos ubicados y de quien estamos hablando...

Hace más de una década que "The Lord of The Ring: The fellowship of the ring" se estrenó, y nos abrió la puerta (a aquellos que no estaban familiarizados con los libros de Tolkien) a un mundo de fantasía, pero no de esas historias rosas de príncipes y princesas, sino a un mundo de aventuras épicas, batallas e importantes decisiones.
Los años pasaron y la triología se completó. Entre idas y vueltas de las productoras y los derechos, una nueva aventura comenzó... una precuela de la anterior...

En 2012 comenzó "An Unexpected Journey", un viaje inesperado que arranca desde una situación conocida: la preparación de una celebración y la escritura de un diario. Pero el tiempo vuelve y nos encontramos con un joven Bilbo Baggins/Bolsón (Martin "Caminas a lo Watson" Freeman) que es "reclutado" por Gandalf The Grey (Sir Ian "estás más allá del bien y del mal" McKellen) para convertirse en el ladrón de un particular grupo de 13 enanos que lidera Thorin Escudo de Roble (Richard Armitage).
¿Para qué? Para regresar a casa, para regresar a la Montaña solitaria... PERO (siempre hay un pero, porque sino no habría historia) la tarea no es sencilla porque el castillo y todos sus tesoros, en particular la bendita  "piedra del Arca", han sido usurpados por Smaug (Benedict "esa voz no se puede ocultar... ♪ dame fuego dame dame fuego ♫..." Cumberbatch) un gran dragón que se ha instalado como en casa.
El camino no será sencillo ya que no sólo el pasado nos persigue sino que el futuro de toda la Tierra Media también está en juego porque Bilbo se encuentra con un precioso tesoro...

Este año la historia continuó y el grupo se constituyó en "The Desolation of Smaug".
Erebor está cerca, muy cerca, pero no por eso el peligro es menor. Los orcos hacen que las espadas se pongan azules, los Elfos confían y desconfían por igual, y los rostros familiares siguen apareciendo (o son mencionados).
Encontrar la puerta es sólo subir un escalón, entrar y encontrar la "Piedra del Arca" sin despertar al ocupante es como escalar una montaña (solitaria cuac!).
Mientras tanto el precioso tesoro comienza a despertar viejos fantasmas, y los ojos parecen abrirse ante los desafortunados...

De todo ha pasado y está pasando, y como siempre deberemos esperar hasta finales de este o comienzo del próximo año para saber que pasa... bueno algo sabemos porque vimos LOTR, es lo mismo que con Star Wars que sabemos quien es Darth Vader pero ansiamos saber porque necesita la máscara.

Igual hasta ahora:
- sabemos de dónde salió "Sting" la daga élfica que Bilbo le da un tiempo después a Frodo, pero todavía no sabemos como adquiere este la cota de malla de Mithril de los enanos
- esta vez vemos a 3 de los 5 magos descritos por Tolkien ya que a Gandalf y Saruman The White (Sir Christopher "parezco una animación cuadro por cuadro" Lee) se les suma Radagast El pardo (Sylvester "ES EL SEPTIMO" McCoy)
- (para seguir usando el termino Easter Eggs) vemos muchos huevos de pascua que hacen referencia a la historia de Aragon y Sauron. Lugares, objetos y nombres se hacen presentes...
- sabemos que enormes travellings con paisajes excepcionales junto a decorados imponentes en tamaño y detalles estarán en las casi 3 horas de cinta
- Tauriel (Evangeline "siempre seré Kate" Lilly) una elfa Silvana agregada en la versión cinematográfica, no le hace sombra a Arwen...
- queremos saber como es que se les oscurecieron los ojos a Legolas (Orlando "volví" Bloom)
- también queremos saber POR QUE SIEMPRE HAY ARAÑAS GIGANTESSSSSSSSSSSSSSSSS! (me siento Ron!)

y bueno, habrá que esperar un tiempito hasta "There and Back Again" para responder al "What have we done?" de Bilbo y a todas esas inquietudes, porque el final de la película podría ser planteado como un gran chiste (u ofensa) al espectador, ya que va a ser un intermedio muy largo hasta que las luces de la sala vuelvan a parpadear...

@vanemaz

Y resucitarás al tercer día...¡en tus películas!

Y como todo tiene su doble en el cine, su réplica, su homenaje, su lectura, este sábado pre Pascuas, pensamos en proponer un podio con películas de actores que aunque ya no estén más con nosotros, resucitan en cada uno de sus films, y de yapa, repasar también, aquellos films que se estrenaron cuando ya habían ascendido por el camino de la ¿luz?

Porque en el cine todo pasa, y todo vuelve, todo se reencarna y todo se multiplica, y todo resucita...eimen!

Puesto N°3: Heath "no jodan con el Joker" Ledger

El mundo quedó mudo cuando se conoció la noticia de la desaparición física de este actor que poco a poco había empezado a levantar vuelo. Quienes lo descubrimos en 10 cosas que odio de tí y lo seguimos a los largo y ancho de su carrera, nos consolamos sabiendo que su presencia sigue alucinándonos film tras film. Cuando el australiano murió, aquel enero de 2008, aún no se había estrenado El Caballero Oscuro, la segunda entrega de la versión nolense de Batman que lo tenía en el papel del Joker, un rol en el que se lució (y dicen las malas lenguas, lo llevó a una obsesión mortal); también estaba por estrenarse El imaginario del Dr. Parnassus de Terry Gilliam.

Puesto N° 2: Paul "californication" Walker

Galán para las chicas, referente para los pisteros, un ni con ojos azules penetrantes para todos los demás, el muchacho se encontraba filmando Rápido y Furioso 7 (¿cuántas más van a hacer?) cuando en noviembre de 2013 perdió la vida en un accidente automovilismo (¿cosas del destino?) moviendo no el avispero sino la pajarera twittera. Este abril llegará a los cines con el film Brick Mansions de Camile Delamarre, en el que interpreta a un policía que busca un arma de destrucción masiva. 

Puesto N° 1: Philip "mucho más que una grossa cara gordita (forever)" Seymour Hoffman

Además de un legado de grandes películas, el gordo Philip nos dejó un puñado de films que serán estrenados de igual forma este año y el que viene. Ellos son: A Most Wanted Man,de Anton Corbijn y God's Pocket de John Slaterry; recordemos también que estaba interpretando al lider revolucionario Plutarch Heavensbee en Los Juegos del hambre: Mockingjay parte 1 y 2. 

@Eugess

un clásico: Los huevos de Pascuas

No vamos a teorizar sobre la relación que existe entre un conejo de Pascuas que trae huevos de chocolate y la Resurrección.

No vamos a hacer una review sobre la película HOP: Rebelde sin Pascua. 

Vamos a hablar de los Huevos de Pascuas o Easter eggs en el cine.

El termino puedo sonar desconocido por muchos, pero hoy parece estar de moda. Si bien es algo que te puede sonar de los videojuegos también se los ha podido encontrar en libros, DVDs o películas, y sobre estos últimos nos vamos a detener (claro está, sino no nos llamaríamos El Gabinete Cinéfilo).

Puesto Nº 3: PIXAR y Luxo jr.

Si bien siempre hemos encontrado algunos detalles que los directores ponen como SU firma en su filmografía (las naranjas de Coppola o el vaso de Starbucks de Fincher) hay elementos que los podemos encontrar aquí y allá. En este caso las películas de PIXAR nos muestran easter eggs por todos lados...

Tal vez sea el universo con más ejemplos, y si a estos les unimos la factoría del Ratón nos hacemos un festín!

Puesto Nº2: MARVEL y los detalles

A diferencia del caso anterior, actualmente se está utilizando este recurso al servicio de la historia, y es tal vez el universo narrativo de MARVEL quien mejor lo está aprovechando.

Así en cada una de las entregas del grupo Avengers podemos encontrar rastros y huellas que hacen a otros personajes y que como con Wally nos emocionamos al encontrarlos ya que colaboran para completar la historia general. 

Nunca está de más reiterar la recomendación de que NO SE LEVANTEN del cine con los títulos en estas películas...

Puesto Nº1: Tarantino y su novia

Pero también los Easter Eggs pueden servir para dejarnos pistas dentro de la propia historia como en el caso de Kill Bill. Si hubiéramos detenido la película al momento de verse los pasajes de avión habríamos descubierto el verdadero nombre de la novia mucho antes de que se estrenara el Vol.2.... esas cosas...

Esto sirve como otra excusa (válida) para ver las películas mas de una vez... 

@vanemaz

Tu cara me suena

Para comenzar este fin de semana santo y sin intención de ofender a quienes profesan el credo, ni muchos menos caer en la blasfemia, pensamos encarar la temática desde diferentes perspectivas para no caer en la tentación (cuac) de hablar de los viejos clásicos pascuales que cada año saturan nuestra visión (el que no asocia directamente con Pascuas con Charlton Heston dividiendo las aguas se perdió una parte importante de los almuerzos pascuales domingueros...¿o somos sólo nosotras las victimas de familias italocristianas?).

Obnubiladas por la capa azul francia de Ramsés que controla nuestros movimientos desde la pantalla, nos propusimos encontrar esas (¿cómo decirlo para que no suene mal?) caras, rostros de Jesús que levantaron más de un suspiro (herejes!!!) aunque estuvieran cubiertos de sangre y rodeados de espinas. Para decirlo en pocas palabras, quisimos armar una especie de podio de los Jesuses más sexies de todos los tiempos cinéfilos. Amén.

Dejando afuera al Jesús más conocido por las nuevas generaciones: Jim Caviezel en La Pasión, película de Mel Gibson con iguales dosis de polémica y sangre, que fue sobrevalorada ya que los comentarios se detuvieron más en la violencia (que rozó lo grotesco) que en la historia en sí (y el hecho de que Gibson haya sido el director no fue un hecho menor).

Puesto N° 3: William “oculto definitivamente algo” Dafoe en La última tentación de Cristo

En 1988, Martin Scorsese nos cuenta una historia alejada en parte de los evangelios ya que su Jesús experimenta deseos más humanos y los deja ser, ayudado por un ángel que tras bajarlo de la cruz lo deja libre para casarse con María Magdalena a quien embaraza y a quien reemplaza por María Betania luego de la muerte de ésta. Una historia de cualquier hijo de vecino.

Puesto N° 2: Christian “sí, también fui Jesús” Bale en María Madre de Jesús 

En 1999 y antes de saltar a la fama como el Psicópata Americano, Bale le da vida a Jesús en este film rodado para la pantalla chica, que, aunque enfocado desde María lo muestra como un inesperado actor que se pudo en la piel de Jisuscraist.

Una vez más Chris demuestra que tiene un arco de personajes en su haber único… ¡Aguante este camaleón británico!

Puesto N° 1: Robert “no me conocerán de nombre pero si de cara” Powell en Jesús de Nazareth

Una de las caras más reconocidas (para las audiencias que se tuvieron que comer las películas bíblicas del cine shampoo de los sábados pre-pascuas), si bien no fue la versión más controversial, ni la más sangrienta, sí fue la que nos entregó la representación más clásica (y de ojitos celestes) del cine de finales de los setenta (1977).

Muy "a lo estampita", Powell se convierte en un Jesús occidental y de portada de revista People, con el pelo como recién salido de la peluquería y la corona impecable.

Bonus Track: the Jesus Wannabe, ¡el multiplicador…de pizzas!

A buen entendedor….Jared Leto!

@vanemaz y @eugess

Alfredo Alcón: adiós a un SEÑOR actor

Cuando se nombra a Alfredo Alcón la silueta de un personaje particular se me hace presente.

No se trata del peculiar padre de Cohen vs Rosí, ni tampoco del Santo que comandó a la espada, y mucho menos de ese joven galante que enamoraba a Chiquita Legrand.
Tampoco es el rostro del loco que se creía emperador, ni del alquimista que andaba tras los pasos de un supuesto Mesías, y mucho menos es el perfil de los pocos actores argentinos a los que Shakespeare le sentaba bien.

Será porque mi padre es un fanático de Leonardo Favio, no sólo por su música, sino también por ser uno de los pocos directores de autor de nuestro país, un padre que entre las sierras y hace tiempo ya, le largó un "Nazarenooooo!!" al actor protagonista de una de sus obras.

Será porque mi madre es una fanática de ese actor que seguía desde las épocas del radioteatro, cuando Radiolandia era la revista de moda. Tiempo en el que Twitter no existía y mi madre bajo un seudónimo (hoy el nombre de mi hermana mayor) mandaba cartas a sus ídolos y estos devolvían la correspondencia con fotos autografiadas.

Será culpa de todo esto que la primer imagen que me hago de Alfredo Alcón cuando escucho su nombre sea la de "El mandinga".

1975 fue el año en que Juan José Camero tuvo que enfrentarse al destino de ser el séptimo hijo varón. Destino que lo llevaría al mismísimo infierno.
Infierno que recuerdo cuando lo vi, no lo pude olvidar. No ardía llamas ni lo cruzaban ríos de lava. El padecer de cuerpos retorciéndose era real, era palpable... era posible.
Y allí estaba, esa silueta oscura que con esa voz tan única y particular reclamaba el amor que Nazareno le tenia a Griselda para terminar con su maldición.

Para el que no la vio, vale la pena dar play...

Se fue para muchos el mejor actor argentino.
Varias generaciones crecimos con el vox populi de su grandeza, pero no se trataba de mera publicidad, no se trata sólo de un boca en boca, ya que a las pruebas nos remitimos, se trató de un actor único, inigualable e incomparable.

Como me dijo mi madre está mañana cuando se entero de la noticia: "ahora sí que me quedé con las ganas de verlo en las tablas..." Por esas cosas de la vida que uno deja pasar, una materia pendiente que a ambas nos quedó, pero que por suerte (una manera desacertada de decirlo) con el cine siempre lo podremos volver a ver... sólo eso, volverlo a ver...


Gracias maestro.

@vanemaz

Oh Capitán, my Capitán... America

primero una aclaración: sepan disculpar de antemano si esta cronista se desvia un poco de su eje (o mas de la costumbre), pero intentaré "compartimentar" la entrada haciendo solamente referencia a la película, y no irme por las ramas en la relación entre las pantallas... nuevamente, sepan disculpar. 

Señores el Capitán América ha regresado, y las expectativas, o tal vez sólo las de quien escribe, no eran muchas. Será tal vez porque la primera entrega de este reboot (Captain America: The First Avenger) no dijo mucho, o tal vez porque el Cap. representa en demasíaaaaaaa los buenos valores americanos, no se, pero de todas manera la cita estaba hecha.

Tanto cómo Iron Man 3 y Thor: The Dark World (adeudamos la nota!!!), los eventos de esta película se sitúan postguerra de New York. Para ubicarnos rápidamente, The Avengers se reunieron para vengar la muerte de Coulson peleando contra Loki y su ejercito, y que luego cual "Ocean´s Eleven", cada uno tomó su camino... pero!!! todos sabemos que el hijo de Coul sigue vivito  y coleando pelando en la tele (no se quejen ya no es spoiler!), que Loki "ayudó" a su hermano contra Malekith, y que Tony Stark anda con algunos problemas de autoestima.

Qué le sucede al Sr. Steve Rogers (Chris "cambie de franquicia de superheroes porque en esta se me ve mejor" Evans) entonces.
Básicamente debe adaptar su modo y valores de vida al siglo XXI (atención a la lista de cantantes a conocer), donde las cosas ya no son tan blanco y negro, y donde los límites para defender la libertad parecen estar un poco difusos. De todas maneras sigue trabajando codo a codo con Natasha Romanoff (Scarlett "me hago la sexie mientras tiro patadas" Johansson) bajo las ordenes de Nick Fury (Samuel L. "No soy Laurence Fishburne" Jackson) en SHIELD.
Pero las cosas parecen complicarse cuando el confiar no es moneda corriente dentro de la agencia, mas que nada porque un terrible enemigo del pasado parece de haber metido todos sus tentáculos desde la oscuridad... Hail Hydra!

Como dije antes, las pocas expectativas fueron superadas. El mayor protagonismo de Fury hace que la historia cobre otro tenor, no sólo porque Jackson sea un actor de la hostia, sino porque las escenas que comparte junto al veterano Robert Redford, hacen notar la importancia que tiene el personaje sobre todas las películas que pasaron y que vendrán.
De Evans y Johansson creo que mas no se puede agregar, ya los hemos visto y sabemos que los seguiremos viendo, pero esa tensión que le agregaron entre el Capitán y BlackWidow capaz está un poco de mas (todos sabemos que ella tiene su corazón flechado?). 
Este trío no está sólo, el villano de turno conocido como "El soldado de Invierno" es una figurita repetida del pasado y Sebastian Stan repite su papel, sólo que un poco mas oscuro y malito. Pero cual Robin, el Capitán no está sólo y se le suma Falcon, otro proyecto de SHIELD que tiene a Anthony Mackie bajo sus alas.

De mas está decir que la película cuenta con muy buenos efectos especiales, ya que entre dialogo y dialogo nos da una gran muestras de acrobacias, golpes, persecuciones y un escudo que vuela y regresa cual boomerang (pregunta: como hace Cap para esconder toda su musculatura detrás de este escudo)


Si bien es una secuela de dos películas a la vez, ya que la historia remite como dijimos antes tanto a The Avengers como a Captain America: The First Avenger, puede ser vista independientemente pero no la vas a disfrutar en toda su magnitud. Porque no sólo te vas a perder de interesantes easter eggs (utilizamos un termino que parece haberse puesto de moda) que no queremos nombrar para no spoliar pero las referencias al hombre de lata y varios doctores están a la orden del día (solo agrego presten atención al epitafio!), sino también que dan cuenta de lo rebuscado de la trama que salta de película en película para llegar a Avengers: Age of Ultron (30 de abril de 2015!!!!) y de pantalla para ver que le depara al grupo de agentes que comanda Phil Coulson (tremendo los capítulos "End of the Beginning" y "Turn, Turn, Turn" que se situarían antes y en paralelo respectivamente de los acontecimiento de la historia, con algunos guiños-guiños muy puntuales para aplaudir de pie!)

Lo cierto es que el Facundo Arana de MARVEL lo hizo bien en una historia que no sólo es de acción, o de ciencia ficción, o una no tan simple adaptación de un comic, sino que muestra una trama más que interesante y mucho mas cercana a un thriller de conspiraciones y espionaje que a una película para niños.... y claro esta Redford :)

@vanemaz

Recomendación 1: si todavía no viste la serie, enganchate, no será el batacazo televisivo, pero sirve para continuar la franquicia y ampliar el universo... ademas, esta COULSON!!! y nos ha entregado algunas buenas escenas junto a Fury y Lady Sif, lo cual nos da al esperanza que algún día se reencuentre con Tony Stark y su ídolo de la niñez... y por que no con Loki
Recomendación 2: NO TE LEVANTES DEL CINE CON LOS TÍTULOS!!! al igual que Thor: The Dark world y de todas las películas del Universo MARVEL hay sorpresas que complementan y continúan la historia, y no solo una sino DOS! se paciente y serás recompensado...
Recomendación 3: trata de ir al cine con un(a) compañero(a) tan loco como vos, como para reírte de eso que nadie entiende y para que a la salida puedan compartir teorías y relaciones un poco mas extrañas que las que luego encontrarás en las redes...
Recomendación 4: como tenemos tiempo hasta el 2015, y la próxima es Guardiantes de la Galaxia que se estrena en Agosto, podemos ver (y porque no hacer una maratón) de las películas del universo X-Men en vista que se estrena próximamente...ademas, yo sé por que se los digo...

Noche de ronda (cinéfila)

Resulta que un día El Gabinete pensó en salir a la calle y al darse cuenta que no se derretían cual vampiros ante el sol, celebraron el hecho y decidieron ir por más.

La cita se armó de antemano y como resultado de una conversación casual por las redes y terminó en una emblemática esquina que desde hace poco más de 10 días cambió sus mañanas por sus noches. Nos referimos a Chinchibira, uno de los bares más conocidos de Rosario que reabrió sus puertas de la mano de Matías Jurisich, quien como reza su Twitter, se autodenomina “Moroso crónico de la tesis en Comunicación Social, sirvo cócteles en @ChinchibiraBar”, pero aquí nuestra manera de presentarlo:

Alrededor de una mesa nos encontramos para hablar de las que parecían ser dos pasiones totalmente ajenas entre sí, algo que la charla desestimó por completo con el transcurso de los primeros minutos.

Sin preguntas formuladas de antemano, pero con un camino a seguir, comenzamos una conversación que nos llevó como un río (bravo) por los mitos creados alrededor de nuestras pre-nociones (y cuando hablamos de pre-nociones decimos frases hechas e ideas erróneas sobre la preparación y consumo de bebidas y cócteles, tan presentes en nuestro imaginario y cultura que nos cuesta pensarlo de otra manera). Pero esta es una desvertebrada y desmembrada (desamparada) nota sobre otra arista de lo que vemos en la pantalla. No es nuestra intención hacer una review de "Sideways" ni un análisis de las bebidas que se ven en el cine sino hablar un poco sobre los tragos y el celuloide en todas sus dimensiones.

Como aperitivo comenzamos con una anécdota sobre uno de los tragos más famosos del cine (cuya frase es todo un monumento): el archi reconocido “Martini agitado no revuelto”, el mismo que Bond toma antes de enfrentarse al peligro en cualquier de sus historias pero que, no es así la bebida que más degusta. Como nos comenta Matías, haciendo un análisis de 007 y sus copas, el agente al servicio de su majestad es un rata que toma cuanto champagne le conviden o regalen en lugar de garparse el Vodka Martini, que a su vez no es lo canónico de las obras de Ian Fleming ya que éste bebe Martini Dry... algunos han atrevido a considerarlo todo un alcohólico. 

De algo tan simple como la bebida de un personaje, Matías nos transporta al tiempo y el espacio de esa bebida, a su por qué, el trago de Bond fue sólo un ejemplo de cómo este chico tiene un talento especial que va más allá del simple armado de una copa y explora todo el mundo que la rodea y la rodeó. En otras palabras, Matías nos hace una genealogía de las bebidas, quizás una característica que tiene que ver con una manera de dar a conocer y llevar más allá de lo que puede servirse. De hecho, este reapertura del bar tiene que ver con imprimirle otra cara al lugar (a pesar de conservar su nombre y fachada), con bañar el lugar de una filosofía bien jurisichiana que es la de salir de lo común y conocido, atreverse a probar otras cosas y aprender sobre aquello que se toma.

Esto pretende ser, homenajeando la carta de Chinchibira, un espacio de presentación para lo nutrido de la entrevista que saldrá en los próximos días mezclado con otras cosas gabineteanas ya que, como afirmó el bartender, mezclar no es lo que hace mal sino la cantidad, en este caso, la cantidad de caracteres.

@Eugess & @vanemaz

Shame...o la posibilidad de ver el pajarito de Michael Fassbender y la pochola de Carey Mulligan

La primera imagen nos muestra un cuerpo acostado, en estado de reposo. Una parte al descubierto, en cueros, la otra oculta bajo la sábana. La cámara de detiene allí, en silencio, como deteniendo el tiempo y el espacio. Ahí estamos, ahí nos quedamos los espectadores, sin entender pero invitados a más. 

Shame (2011) es el título que el director Steve McQueen le puso a su segundo largometraje (cuando aún era un director de corte independiente, sin condimentos Oscarizantes, o en otras palabras: cuando lo conocían sólo un puñado de freaks cinéfilos). 

Shame es una invitación a los sentidos y la oportunidad de ver el cuerpo pálido de Michael “el representante más conocido del hombre de Neardental” Fassbender en estado de plenísima desnudez (y descubrir por qué lo llamaban barba roja mucho antes de 12 años de esclavitud).

Resulta que Brandon Sullivan es un treintañero que vive y trabaja en New York; y tiene una pequeña gran adicción al sexo (es decir, imaginen, pornografía por doquier, contrata prostitutas y avanza sobre cualquier mujer que lo mire aunque sea para decirle “tenés una basurita en el pelo”). Su vida de neoyorkino cómodo en su patetismo se altera cuando recibe la visita de su hermana algo depre Sissy (Carey "no soy prima ni hermana gemela separada al nacer de Michelle Williams y cortenla con el tema" Mulligan), que literalmente se instala en su departamento. A partir de allí se verá obligado a ceder y hasta reprimir algún que otro impulso sexópata escapando de distintas formas, saliendo a ese exterior que lo obliga a enfrentarse a sí mismo (muy interesante el plano secuencia de Brandon trotando y la escena del subte que abre y cierra, por así decirlo, la historia).

La película no es más que esto, es decir, narrativamente no hay un desenlace como uno acostumbra ya que el film se queda en ese entre, no hay soluciones mágicas de problemas ni avances. Es puro presente, pura exposición. McQueen te dice “mirá, es esto, mirá bien porque es esto y no hay más”. El silencio aturde y los movimientos recurrentes producen una especie de magnetismo a la pantalla (para más info sobre el tema ver "12 años de esclavitud"). No hay reflexión inmediata, todo es puro ahora (un ahora que te pone nervioso, te harta, te cansa, te satura...lo notarán en la escena de Brandon y las dos chicas).

Los psicólogos dicen que la atracción sexual radica, en parte, en la insinuación, y en este film lo podrán comprobar por sus propios medios, o sea y que quede claro: no hay un carajo de insinuación, toda la carne está en el asador; todo son planos de desnudez, así sin más. Fassbender se pasea en bolas el 60% del film (mostrando un péndulo que no es el de Foucault) pero eso no produce nada en el espectador más que (vuelvo a repetirlo) hartazgo. 

En el fondo, Brandon es un pobre tipo más solo que Voldemort en el día del amigo. La soledad, la falta de estímulos, de sentimientos, de objetivos, la representación del sexo como consumo voraz, el otro como objeto, la carencia de relaciones y empatía: todo eso es Shame.

El vacío existencial expresado en saturación de sexo. Para el espectador: una experiencia.

@Eugess

Sherlock Holmes: cualquier similitud con el verdadero Sherlock Holmes fue dejada de lado

Muchas veces nos encontramos con algunas grandes historias casi por casualidad, y parece que la disfrutáramos mucho más… en otras, los dioses cinéfilos parece no iluminarnos y nuestra emoción al darle play se diluye con el correr de los minutos. 

Este globo desinflado al sol lo encontramos revolviendo el gabinete de adaptaciones canónicas y no canónicas del único detective consultor Sherlock Holmes, en donde un título clásico y simple nos invitaba de la mano de (reconocido por pocos) Gareth David-Lloyd como el Dr. Watson.

La historia una vez más lleva a que Holmes y Watson deban investigar una serie de muertes que involucran criaturas un tanto particulares para la Londres victoriana. Pero detrás de todo siempre hay un monstruo peor, y se trata de un hombre que comparte más de lo que Holmes pueda deducir a primera vista.

Por dónde comenzar… Por la frivolidad ya que Watson es más alto que Sherlock, si bien ACD lo describe en Estudio en escarlata según palabras de Watson como de 1,83 m, estamos acostumbrados a que siempre (creo que Robert Downey Jr y Jude Law sea otra excepción) exista una diferencia de contextura marcada. Si bien Ben Syder es sólo 10 cm más bajo que en la literatura, el Watson que le pusieron al lado es mucho más robusto y alto (1,83 m)… detalle visual nada más. 

Pero lo que verdaderamente comenzó a “molestar” fue la historia, si bien estamos acostumbrados a las historias no-canónicas y adaptaciones con muchas libertades, esta posee algunos puntos que hacen mucho ruido como que Lestrade fue compañero del hermano de Holmes, que siendo un ex policía se llama en la historia como Thorpe Holmes, si! Thorpe!!!

Este mismo, llama a su hermano Robert!!!, aunque ACD quiso bautizarlo Sherrinford (nombre que luego tuvo el supuesto hermano mayor de ambos) y en la BBC se identificó como "William Sherlock Scott Holmes (por si buscan nombres de bebes)", el nombre de pila de nuestro detective es para todos Sherlock y el de su hermano Mycroft… no jodamos!

Pero la cosa no termina allí, ya que Thorpe es EL malo de la película. Quien utiliza las delicadas piezas de los monstruos para poder construir un traje cibernético que lo mantengan con vida, ya que según él Lastreade le había disparado por la espalda dejándolo paralitico. Pero la venganza no puede quedarse sólo con eso (actualizarse como un cybermen de la primera época) e intentará hacer estallar a Londres con un aparato que su amante/robot llevará consigo.

Este pastiche se estrenó un mes después de la versión de Guy Ritchie por lo que es considerada por muchos un mockbuster, léase aprovechemos el momento de éxito del otro y vemos que pasa. Tal vez los más ofuscados fueron quienes intentaron descargar la versión de RDJ y Law y se encontraron con esta singular historia.

No es la mejor película de Sherlock, pero al rozar tan de cerca lo bizarro no la convierte en la peor… o tal vez si… Es decepcionante y muy poco creíble, pero la estética steampunk le da un no se que por momentos interesantes.


De todas maneras puede llegar a ser una historia entretenida cuando todas las opciones se hayan agotado, si no esperas ver una adaptación más o menos fiel a la historia, y si te conformas con ver a Ianto de nuevo en pantalla… ups!

@vanemaz

Back to the future: Las aventuras de Mr Peabody y Sherman

No, no se trata de una publicidad encubierta de la empresa de electrodomésticos, pero si se trata de una remake, ya que Sherman conoce a Peabody desde la década del 60 cuando formaban parte de Peabody's Improbable History una sección de The Rocky and Bullwinkle Show (mucha historia norteamericana de televisión lo sé, pero bueno, aparecieron en Los Simpons!)

En este 2014 tuvimos la posibilidad de (re)encontrarnos con esta singular familia, su WABAC machine y una grandiosa aventura a través de la historia… que 88 millas por hora ni ocho cuartos! (no lo digo en serio banco al Doc!)

Mr Peabody es un can un tanto particular ya que no sólo habla (como Martha) sino que posee una amplia inteligencia que incluye el Premio Nobel, es un gran deportista, inventor, científico y un as del baile. Un día como cualquier otro, decide adoptar un niño quien podrá referirse a él solamente como “Sr Peabody”.

Junto a Sherman, recorrerán la historia y la conocerán más allá de como la cuentan los libros, lo cual traerá serios problemas en el primer día de escuela del niño, ya que no sólo tendrá que justificarse ante sus maestros sino ante una no muy simpática niña (Penny) con la cual termina teniendo un severo altercado, donde Sherman la muerde al llamarlo “perro”.

Para solucionar las cosas, Mr Peabody intenta una reunión entre ambas familias, y le pide a Sherman que no mencione la máquina del tiempo, pero ups! las cosas se salen de las manos (o de las patas) y Penny termina convirtiéndose en Reina de Egipto. Deberán rescatarla a través de la historia, y nada será sencillo cuando las paradojas aparezcan.

Me gusta decirle a todo el mundo con quien me encuentro que esta historia se disfruta en tres niveles diferentes:

• Primero el de “todos”, en cual niños, adolescentes y mayores nos divertimos por igual ya que la singular historia nos llega a todos por igual… por ejemplo la sonrisa de Mona Lisa
• El segundo escalón sería el de los “adultos” que comprenden los gags y referencias que los menores no llegan a identificar, ya que desde hace uno años (y gracias o por culpa de Pixar en su mayoría, aunque en este caso es DreamWorks el encargado de hacerlo) las películas de dibujitos que antes parecían ser sólo para niños ampliaron sus horizontes… por ejemplo la reunión de cerebros para solucionar EL problema.
• Y el tercer nivel sería el de “#gentealhorno”, en donde nos reímos cual locos solitarios encontrando referencias de otras películas de ciencia ficción en general o series que tienen los viajes en el tiempo como parte fundamental de su plot… viven en la Torre Stark (o whovians united!!!)

Haciendo esta salvedad, la historia se disfruta en todos sus aspectos. Aunque podría ser encasillada como un dibujo educativo, y sin estar tan lejos de serlo ya que visitamos la historia del mundo, también descubrimos en ella nuestro propio cuento, bueno, el de Mr Peabody y el pelirrojo Sherman en donde no hay princesas en apuros ni soldados batallando una guerra lejana.

Con diálogos y situaciones que por momentos te pueden hacer olvidar que es un perro el que habla, es una animación que funciona como un reloj perfectamente calibrado, ya que termina siendo una aventura de casi dos horas sobre el conocimiento de la humanidad, sobre la amistad y tal vez principalmente sobre la familia.

@vanemaz

True Detective ¿todavía no la vieron?

Si volviera a nacer y naciera serie, seguro elegiría salir del vientre de HBO. 

Esta intro algo rebuscada sólo sirve para decir que una vez más esta señal nos ha traído un producto de una riqueza infinita (y un alto poder mediático) que en su último capítulo el pasado domingo colapsó la emisión. En True Detective el trabajo de producción es grandioso, nada está librado al azar y cada detalle es tenido en cuenta desde el departamento artístico (¿alguien recuerda, por ejemplo, lo grosa que fue Carnivale?).

La historia, un thriller muy noir, creada y escrita por Nic Pizzolatto, dirigida por Cary Joji Fukunaga y producida por ambos, cautiva desde el minuto 1. ¿Dónde está la clave? ¿Por qué atrapa tanto al espectador? La razón de ser distinta quizás se encuentre en su narrativa: los hechos del pasado son narrados 17 años después por sus dos protagonistas en sendas entrevistas dentro del departamento de policía de Luisiana, cada capítulo nos entrega una pista distinta a la vez que otorga movimiento a la acción y afecta no sólo el pasado sino el presente; además, el hecho de que esas escenas del presente muestren consecuencias de hechos del pasado genera en el espectador una adrenalina constante por saber qué les pasó, qué vivieron esos dos ahora ex-policías.

Todo empieza en 1995 cuando Marty Hart y Rust Cohle asisten a una escena del crimen como parte de la División de Investigaciones Criminales de la Policía Estatal de Luisiana, que es llamada por el sheriff de esa comunidad rural debido a los dantesco de la escena: allí, bajo un gran árbol se encuentra Dora Lange, atada y vestida de acuerdo a un ritual espiritista o algo así (que ellos deberán dilucidar). Ambos policías (que nunca antes habían trabajado juntos) quedan asignados al caso y comienzan a investigar. Así, irán descubriendo algo demasiado oscuro y complejo, que los terminará comprometiendo tanto que incluso sus propias vidas y visiones del mundo se verán modificadas para siempre.

La dupla de detectives está compuesta por el always bizarro Woody Harrelson y el ahora valorado Matthew McConaughey como Hart y Cohle respectivamente. Hart es un padre de familia con más trapos sucios  que una lavandería y Cohle, un policía que viene desde Texas y acarrea el desconsuelo por la muerte de su pequeña hija, tiene una visión pesimista del mundo. Ambos son opuestos (la típica pareja de detectives que se llevan como el ojete que siempre ha garpado tanto en cine), Hart representa la hipocresía de la sociedad norteamericana y sus muertos en el placard, mientras que Cohle, aunque de mal carácter y odiado por todos, es más sensible y más comprometido con lo que cree, aunque muchos lo tomen como un sociópata. Es por así decirlo, un gran filósofo contemporáneo, (¿el mejor que nos ha dado la ficción del último par de años?), un manual viviente de citas, si si si, dan ganas de citar cada frase que dice (perdón pero quien escribe no puede dejar de decir que es un grosso este personaje y la tiene más clara que Nietzche).

El tema “and the Oscar goes to Matthew” le vino al pelo a la serie ya que atrajo muchos más seguidores del aluvión inicial y es también una muestra de lo camaleónico que puede llegar a ser este actor que acá se luce como el oscuro Rust (incluso, al igual que en Dallas Buyers Club, hay un cambio físico notable entre el pasado y el presente de la serie). Woody “dientitos cómicos” Harrelson con su típico tono de voz aporta el elemento conservador a la serie (aunque hace sufrir a la pobre esposa, Michelle Mollaghan, como una perra).

Como nota de color podemos agregar que más allá de la ficción, este par de actores comparten una amistad que ya lleva varios años y algún que otro film en el medio (¿los recuerdan en EDtv?), además, ambos son oriundos de Texas ya que no tuvieron que forzar el acento sureño (para una muestra de esto ver el discurso de agradecimiento de McConaughey en los Oscars 2014).

El tercer protagonista es el lugar: Luisiana (o Louisiana), tan presente en el imaginario cinéfilo con sus pantanos, sus paisajes plagados de árboles a lo Burton, su Mississippi, sus grandes fábricas en el medio de la nada y sus poblados tan creepies (¿es que nadie corta el pasto en estos lugares?) como cualquier película slasher de los 90. Hay que sacarse el sombrero por la gran fotografía, las escenas lúgubres (la del comienzo con la escena del crimen) son de una calidad inigualable.

Dicen que True Detective tendrá otras temporadas con distintos actores y en cada caso tratarán un caso específico; si repiten la calidad actoral, fotográfica, narrativa y de producción, ahí estaremos contentos esperando más.

@Eugess